A&T ARTWORK

H 16,5 po x l 28,5 po x P 1 po, Cadre doré

Le couronnement de Napoléon et le couronnement de Joséphine à Notre Dame de Paris

Circe Invidiosa est une peinture de John William Waterhouse complétée en 1892. Il s'agit de sa deuxième représentation, d'après Circe Offrant la coupe à Ulysses (1891), du personnage classique de la mythologie Circe. Cette représentation mythologique particulière est basée sur le récit d'Ovide dans Métamorphose, dans lequel Circé transforme Scylla en un monstre marin, uniquement parce que Glaucus a méprisé les avances romantiques de l'enchanteresse dans l'espoir d'atteindre l'amour de Scylla. Waterhouse revint plus tard sur le sujet de Circé une troisième fois avec The Sorceress (1911). Circe Invidiosa fait partie de la collection de l'Art Gallery of South australia, qui possède également la collection The favoris of the Emperor Honorius de Waterhouse en 1883.

H 36 po x l 30 po x P 1,5 po, Toile tendue

«Flames June» est une peinture de Sir Frederic Leighton, produite en 1895. Peinte à l'huile sur une toile carrée de 47 par 47 po (1 200 mm x 1 200 mm), elle est largement considérée comme le magnum opus de Leighton, montrant son classique. nature. On pense que la femme représentée fait allusion aux silhouettes de nymphes et de naïades endormies que les Grecs sculptaient souvent. Le mois de juin flamboyant disparut de la vue au début des années 1900 et ne fut redécouvert que dans les années 1960. Elle a été vendue à l'encan peu de temps après, pendant une période connue pour être difficile à vendre des peintures de l'époque victorienne, où elle n'a pas été vendue pour son bas prix de réserve de 140 $ US (l'équivalent de 1 126 $ en prix modernes). Après l'enchère, il a été rapidement acheté par le musée d'art de Ponce à Ponce, Porto Rico, où il réside actuellement.

H 24 po x l 45 po x P 1,5 po

Nymphéas par Claude Monet

La chute des anges rebelles est une peinture à l'huile de l'artiste baroque italien tardif Luca Giordano, peinte en c. 1666, et maintenant exposé au musée d'art de Vienne, Vienne. Ses dimensions sont de 419 x 283 cm. L'œuvre a probablement été réalisée pendant la période vénitienne de Giordano et les deux influences les plus fortes que le peintre napolitain a eues au cours de sa vie sont évidentes dans la toile. La partie inférieure de la peinture, caractérisée par la présence des démons défaits par l'archange Michael, montre une empreinte rebelle claire dans les caractéristiques clair-obscur de la scène; tandis que la partie supérieure, caractérisée par la figure du saint, montre des influences évidentes de la peinture vénitienne. L'image de Saint-Michel reflète celle de l'iconographie classique, montrant ses ailes déployées, avec une épée, une robe céleste et une cape rouge; avec l’intention d’expulser les démons provenant des enfers de la terre. Les seules différences qu'il y a avec une autre peinture sur le même sujet, toujours réalisée par Giordano quelques années plus tôt (1663) et maintenant conservée à la Gemäldegalerie de Berlin, est que dans cette œuvre du saint de Vienne est représenté tenant une épée au lieu d'un lance et que sa tête est découverte sans casque.

The print looks too perfect and makes it look like an AI picture. Wasn’t for me. Brian. Wed Jul 15 2026

H 16 po x l 36 po x P 1,5 po, Toile tendue

Arnold Böcklin a passé l'automne 1879 à Ischia. Le Castello Alfonso, sur une petite île à proximité, l'a profondément impressionné pendant son séjour. Lorsque la jeune veuve Marie Berna a rendu visite à l’atelier de Böcklin à Florence en 1880 et a demandé une «photo pour rêver», le souvenir de ce paysage doit avoir fusionné avec des souvenirs antérieurs, par exemple, des îles des morts comme San Michele Venise et les falaises étrusques nécropoles. L'Île des Morts est devenue l'une des œuvres les plus populaires de Böcklin. Il a atteint cet objectif en combinant un nombre limité d'idées dans une composition atmosphérique impressionnante. Les motifs - île, eau et château ou vil-la au bord de la mer - sont déjà familiers à plusieurs de ses œuvres plus anciennes. Cependant, dans ce cas, ils ont été concentrés dans une déclaration de Weltanschauung de l'artiste. L'emplacement est sinistre. Le regard du spectateur est dirigé vers le haut des marches, mais ne peut plus pénétrer dans l'obscurité. La symétrie stricte de l'île, les horizontales et verticales calmes, l'îlot circulaire entouré de hauts murs de falaise et l'éclairage magique créent une atmosphère à la fois solennelle et sublime, évoquant un sentiment de calme et d'un autre monde. La surface sans ondulation de l'eau et le bateau portant le cercueil avec une silhouette enveloppée de blanc ajoutent un ton mélancolique à l'ensemble. L'image appartenant à la Nationalgalerie est la troisième des cinq versions. Il a été commandé en 1883 par le marchand d'art Fritz Gurlitt. C'est Gurlitt qui a ensuite donné à l'œuvre son titre mémorable et, avec un œil vif pour les affaires, a demandé à Max Klinger d'en graver le contenu. Ce fut la version qui a établi la renommée extraordinaire de l'image à la fin du dix-neuvième siècle. Tout omniprésente sous la forme de photographies et d'impressions, l'Île des Morts reflétait le sentiment d'une époque entière: les gens s'identifiaient à celle-ci et elle devint une image préférée de fin de siècle.

H 34,5 po x l 28,5 po

Rehaussez votre espace avec cet élégant art mural «Ten Commandments», mettant en vedette des œuvres bibliques intemporelles magnifiquement exposées sur une toile de haute qualité. Parfaite pour la décoration de la maison, du bureau ou de l'église, cette pièce sert de rappel quotidien de la foi et des valeurs. Prêt à être suspendu et fabriqué avec des matériaux durables et écologiques.

H 20 po x l 16 po

Wanderer au-dessus de la mer de brouillard (allemand: Der Wanderer über dem Nebelmeer), également connu sous le nom de Wanderer au-dessus de la brume ou Mountaineer dans un paysage brumeux, est une peinture à l'huile c. 1818 par l'artiste romantique allemand Caspar David Frederic. Il a été considéré comme l'un des chefs-d'œuvre du romantisme et l'une de ses œuvres les plus représentatives. Il réside actuellement à la Kunsthalle de Hambourg, en Allemagne.

La gitane endormie (français: La Bohémienne endormie) est une peinture à l'huile réalisée en 1897 par l'artiste français naïf Henri Rousseau (1844-1910). Il s'agit d'une représentation fantastique d'un lion qui songe à une femme endormie par une nuit de lune. Rousseau a d'abord exposé le tableau au 13e Salon des Indépendants, et a échoué à le vendre au maire de sa ville natale, Laval. Au lieu de cela, il est entré dans la collection privée d'un marchand de charbon de bois parisien où il est resté jusqu'à 1924, quand il a été découvert par le critique d'art Louis Vauxcelles. Le marchand d'art basé à Paris, Daniel-Henry Kahnweiler, a acheté la peinture en 1924, bien qu'une controverse ait surgi pour savoir si la peinture était un faux. Elle a été acquise par l'historien de l'art Alfred H. Barr Jr. pour le musée d'art moderne de New York. Rousseau a décrit sa peinture comme suit: «Une Négresse itinérante, une joueuse de mandoline, se trouve avec son pot à côté d'elle (un vase avec de l'eau potable), submergée par la fatigue dans un sommeil profond. Un lion a de la chance de passer par là, ramasse son parfum ne la dévore pas. Il y a un effet de lune, très poétique. "

La tempête sur la mer de Galilée est une peinture à l'huile sur toile de 1633 par le peintre hollandais de l'âge d'or Rembrandt van Rijn. Il était auparavant dans le musée Isabella Stewart Gardner à Boston, mais a été volé en 1990 et il manque toujours. La peinture représente le miracle de Jésus apaisant la tempête sur la mer de Galilée, en particulier tel qu'il est décrit dans le quatrième chapitre de l'Évangile de Marc. C'est le seul paysage marin de Rembrandt.

Toile tendue, H 36 po x l 24 po x P 1,5 po

L'art mural «The Vitruvian Man», inspiré de Léonard de Vinci, met en valeur l'harmonie de l'anatomie et de la géométrie de l'homme dans des détails époustouflants.

La signature de la déclaration d'indépendance des États-Unis a eu lieu principalement le 2 août 1776 à la Pennsylvania State House, à l'Independence Hall à Philadelphie, en Pennsylvanie. Les 56 Délégués au Deuxième Congres Continental représentaient les 13 anciennes Colonies qui s'étaient proclamées les «États-Unis d'Amérique» et ils approuvèrent la déclaration d'Independance que le Congres avait approuvée le 4 juillet 1776. La déclaration proclama que les treize anciens Les Colonies alors en guerre avec la Grande-Bretagne étaient maintenant une nation indépendante et ne faisant plus partie de l'Empire britannique. Les noms des signataires sont regroupés par état, à l’exception du président du Congres Continental John Hancock; les États sont organisés géographiquement du sud au nord, avec Button Gwinnett de Georgia en premier et Matthew Thornton du New Hampshire en dernier.

love it. Heather. NY. Tue Jun 30 2026

H 12 po x l 24 po x P 0,75 po

La création d'Adam (italien: Creazione di Adamo) est une peinture de fresque de l'artiste italien Michelangelo, qui fait partie du plafond de la chapelle Sixtine, peinte c. 1508-1512. Il illustre le récit de la création biblique du livre de la Genèse dans lequel Dieu donne la vie à Adam, le premier homme. La fresque fait partie d'un ensemble iconographique complexe et est le quatrième de la série de panneaux représentant des époques de Genesis. L'image des mains proches de Dieu et d'Adam est devenue emblématique de l'humain. La peinture a été reproduite dans d'innombrables imitations et parodie. La création d'Adam de Michel-Ange est l'une des peintures religieuses les plus reproduites de tous les temps.

Beautiful art work. Jessica. Wed Mar 04 2026

H 20 po x l 16 po

La Dame en or de Gustav Klimt, également connu sous le nom de Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, met en valeur le style doré emblématique et l'élégance de Klimt, ce qui en fait un chef-d'œuvre intemporel parfait pour la décoration intérieure.

Not as expected… would like to return. Joyceellen. West Orange, NJ. Tue Nov 25 2025

H 16 po x l 30 po x P 0,75 po

Toile tendue, H 20 po x l 16 po

Lady Godiva est une peinture de l'artiste anglais John Collier, réalisée en 1898 dans le style de la confrérie praphaélite. La représentation de Lady Godiva et sa traversée bien connue à travers Coventry, en Angleterre, se tient à la galerie d'art et au musée de Coventry. Lady Godiva a été léguée par le réformateur social Thomas Hancock Nunn. À sa mort en 1937, le tableau a été offert à la Corporation of Hampstead. Il a spécifié dans son testament que si son héritage était refusée par Hampstead, la peinture serait alors offerte à Coventry.

Toile tendue, H 12 po x l 24 po x P 0,75 po

Le couronnement de Napoléon et le couronnement de Joséphine à Notre Dame de Paris

H 34,5 po x l 28,5 po x P 1,5 po

La Dame en or de Gustav Klimt, également connu sous le nom de Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, met en valeur le style doré emblématique et l'élégance de Klimt, ce qui en fait un chef-d'œuvre intemporel parfait pour la décoration intérieure.

Stunning ! She’s gorgeous and will make any room light up. Anonyme. Mon Aug 04 2025

Doré, H 16,5 po x l 28,5 po x P 1 po

Parmi les montagnes de la Sierra Nevada, en Californie (également connue sous le nom Parmi les montagnes de la Sierra Nevada), une peinture à l'huile sur toile de l'artiste germano-américain Albert Bierstadt, réalisée en 1868, représente une scène de paysage de la chaîne de montagnes de la Sierra Nevada en Californie. Créée dans son atelier à Rome, la peinture a été exposée dans toute l'Europe, suscitant un intérêt pour les États-Unis. La peinture est une pièce maîtresse de la collection de paysages du 19e siècle au Smithsonian American Art Museum de Washington, D.C.

Cet article fait référence à des portraits de Vincent Van Gogh (1853-1902). Il comprend des autoportraits, des portraits de lui par d'autres artistes et des photographies, dont l'un est douteux. Les dizaines d'autoportraits de Van Gogh ont joué un rôle important dans son œuvre de peintre. Très probablement, les autoportraits de Van Gogh représentent le visage tel qu'il est apparu dans le miroir qu'il utilisait pour reproduire son visage, c'est-à-dire que son côté droit dans l'image est en réalité le côté gauche de son visage.

Cadre photo gris simple, H 15,6 po x l 27,6 po

Arnold Böcklin a passé l'automne 1879 à Ischia. Le Castello Alfonso, sur une petite île à proximité, l'a profondément impressionné pendant son séjour. Lorsque la jeune veuve Marie Berna a rendu visite à l’atelier de Böcklin à Florence en 1880 et a demandé une «photo pour rêver», le souvenir de ce paysage doit avoir fusionné avec des souvenirs antérieurs, par exemple, des îles des morts comme San Michele Venise et les falaises étrusques nécropoles. L'Île des Morts est devenue l'une des œuvres les plus populaires de Böcklin. Il a atteint cet objectif en combinant un nombre limité d'idées dans une composition atmosphérique impressionnante. Les motifs - île, eau et château ou vil-la au bord de la mer - sont déjà familiers à plusieurs de ses œuvres plus anciennes. Cependant, dans ce cas, ils ont été concentrés dans une déclaration de Weltanschauung de l'artiste. L'emplacement est sinistre. Le regard du spectateur est dirigé vers le haut des marches, mais ne peut plus pénétrer dans l'obscurité. La symétrie stricte de l'île, les horizontales et verticales calmes, l'îlot circulaire entouré de hauts murs de falaise et l'éclairage magique créent une atmosphère à la fois solennelle et sublime, évoquant un sentiment de calme et d'un autre monde. La surface sans ondulation de l'eau et le bateau portant le cercueil avec une silhouette enveloppée de blanc ajoutent un ton mélancolique à l'ensemble. L'image appartenant à la Nationalgalerie est la troisième des cinq versions. Il a été commandé en 1883 par le marchand d'art Fritz Gurlitt. C'est Gurlitt qui a ensuite donné à l'œuvre son titre mémorable et, avec un œil vif pour les affaires, a demandé à Max Klinger d'en graver le contenu. Ce fut la version qui a établi la renommée extraordinaire de l'image à la fin du dix-neuvième siècle. Tout omniprésente sous la forme de photographies et d'impressions, l'Île des Morts reflétait le sentiment d'une époque entière: les gens s'identifiaient à celle-ci et elle devint une image préférée de fin de siècle.

Toile tendue, H 20 po x l 16 po

Peut-être plus que le travail de ses deux maîtres, Boucher et Chardin, la manipulation bravoure de Jean-Honoré Fragonard de la brosse et de la couleur incarne l'esthétique de la peinture du dix-huitième siècle. Dans Une jeune fille lisant, le sujet est montré de profil en tenant un livre dans sa main droite et complètement absorbé par sa lecture. Elle semble être assise dans une fenêtre alors que la lumière illumine son visage et son corps, projetant une faible ombre contre le mur. Elle porte une robe jaune citron avec un collier et des poignets blancs accentués par des rubans lilas au corsage, au cou et aux cheveux. Elle se repose sur des coussins moelleux dans des tons de brun chaud et mis en valeur en mauve clair. Chaque texture est rendue dans un coup de pinceau différent: sa robe est un tissage épais de jaune et de blanc, les coussins sont plus lâchement esquissés et son col est bordé avec la poignée du pinceau. Comme dans les bulles de savon de Chardin, le spectateur a l'illusion qu'il est au courant d'un moment intime. Cependant, dans le travail de Fragonard, le jaune vif de la robe de la fille et les coups agités se heurtent à la solitude associée à la lecture.

Gris, H 15,6 po x l 27,6 po

Peder Mork Mondsted est né près de Grenaa au Danemark. Il a commencé sa formation artistique à Aarhus, puis a étudié à l'Académie de Copenhague de 1875 à 1884. Démontrant son œil remarquable pour les détails, la couleur et la lumière, ses peintures représentent une vue romantique et poétique de la nature et ont capturé la grandeur et l'aspect mon la forme d'art du paysage.

H 16 po x l 36 po x P 1,5 po, Toile tendue

Frederic Remington (1861-1909); Un tableau de bord pour le bois d'œuvre; 1889; Huile sur toile; Amon Carter Museum of American Art, Fort Worth, Texas, collection Amon G Carter; 6161.381 Entre 1885 et 1888, Remington a effectué un certain nombre de voyages dans le Sud-Ouest, souvent pour couvrir les activités de la cavalerie américaine et sa quête des Apaches renégats. Il a été profondément influencé par le paysage austère de la région et a rempli ses carnets de croquis avec des notes de couleur et des commentaires sur la qualité spéciale de la lumière. En 1889, il a écrit à un ami qu'il travaillait sur «une grande photo de cow-boy», et il avait besoin que deux ou trois paires de chaps lui soient envoyées dès que possible. Il se référait à cette peinture, qui a débuté sa carrière lorsqu'elle a reçu une attention critique à la National Academy of Design à New York l'année suivante. L'effet global de la composition est saisissant, car les cavaliers en fuite galopent directement vers le spectateur. Fait intéressant, cette qualité cinématographique anticipe les nombreux films occidentaux qui suivront une génération plus tard.

H 12 po x l 24 po x P 0,75 po, Toile tendue

Westward the Course of Empire Takes Its Way (également connu sous le nom de Westward Ho) est une murale peinte de 20 par 30 pieds (6,1 m x 9,1 m) exposée derrière l'escalier ouest de la chambre du bâtiment des États-Unis. La peinture murale a été peinte par Emanuel Gottlieb Leutze en 1861 et symbolise le Maniforme du Destin, la croyance selon laquelle les États-Unis étaient destinés à l’exploration et à l’expansion de l’Occident depuis les premières colons le long de la côte atlantique jusqu'à l’océan Pacifique. Une étude de 84,5 cm x 110,2 cm (33 1 1/4 x 43 3 3/4) est suspendue au Smithsonian American Art Museum. L'obscurité se transformant en lumière représente la grandeur que l'on croyait se trouver dans le futur Ouest.

H 20,5 po x l 28,5 po

«Le souper à Emmaüs» dépeint le moment où Jésus se révèle aux Disciples après sa résurrection. Une pièce intemporelle pour les amateurs d'art.

H 16 po x l 36 po x P 1,5 po, Toile tendue

Les vues de Jasper Francis Cropsey sur des scènes d'automne enflammées ont capturé les forêts, les montagnes et les vallées du nord-est dans une célébration de la beauté naturelle unique, souvent intacte, de l'Amérique. Au fur et à mesure que la nation grandit, la présence humaine empiète de plus en plus sur cette beauté naturelle. Les images du chemin de fer symbolisent souvent cette croissance, vue à la fois comme un signe de progrès et de la perte de la nature. Cropsey, cependant, adoptait souvent une vision idéaliste de la relation entre l’homme et la terre. Dans cette peinture, un train et un tréteau se fondent facilement dans le paysage environnant - la fumée blanche du train faisant écho aux nuages au-dessus - créant une scène paisible d'homme et de nature existant en harmonie.

Renoir a fait un voyage en Italie en 1881-82 et a été profondément influencé par l'art de la Renaissance. Après ce voyage, il a commencé à explorer une nouvelle façon de peindre, différente de l'impressionnisme. Il a commencé à mettre l'accent sur les contours et le modelage, abandonnant le principe selon lequel les scènes devraient être peintes à l'extérieur pour capturer la lumière et l'atmosphère. À la fin de l'été 1883, Renoir a passé environ un mois à St. Peter Port, la capitale de Guernesey, et a admiré les rochers, les falaises et la vue imprenable sur la baie Moulin Huet à Saint-Martin. Il a peint les débuts de 15 tableaux pendant son séjour, dont la plupart ont été finis plus tard dans son studio parisien. Guernesey se trouve à 48 km au large des côtes de la terre ferme normande. Les deux ont la même géologie et Guernesey remplit les critères «par la mer» dans le titre de l'exposition. Cependant, By the Seashore aurait été peint dans le studio de l'artiste. La plage illustrée ici n'est probablement pas dans les îles Anglo-Normandes, mais près de Dieppe, sur la côte normande. Le mannequin était Aline Charigot, sa petite amie à l'époque, qu'il a épousée en 1890. Les arcs des sourcils foncés de la gardienne et le nez légèrement incliné dans ce visage plaisant aux joues roses sont communs aux œuvres de Renoir.

À première vue, cette peinture apparaît comme un fouillis de couleurs vives et de formes abstraites sauvages. Des coups puissants et une peinture épaisse marquent la toile. Le sujet ne devient apparent que lorsque vous regardez de plus près: les racines des arbres, les plantes, les feuilles, avec le brun et le jaune d'un plancher de bois sablonneux en dessous. Van Gogh a peint d'autres scènes d'arbres et de bois. Il a souvent coupé ses compositions d'une manière inhabituelle. Il peignait souvent des arbres sans leur sommet, ou il dépeignait un morceau de bois qui ne montrait que des sous-bois et des fleurs - ou, comme ici, seulement les racines des arbres.

Le troisième de la série, «Manness», montre le garçon maintenant adulte dans les tribulations de la vie adulte. Les nuages d'orage assombrissent le ciel. Le vent fouette les vêtements de l'homme et la pluie tombe en arrière-plan. La rivière est devenue rocheuse et rapide, traversant un défilé traîtresse marqué par un arbre noueux et sans feuilles. Un pays plus doux se trouve au bas du défilé et le ciel s'éclaircit dans cette direction, suggérant des temps meilleurs à venir. Au milieu des dangers, l'homme n'a pas perdu la foi: il a lâché le timon de son bateau (qui s'est peut-être cassé) pour lever les deux bras en prière. Derrière lui, invisible, l'ange gardien continue de le surveiller à travers les nuages.

H 12 po x l 24 po x P 0,75 po

Wickham Pond et Sugar Loaf Mountain

H 30 po x l 24 po x P 0,75 po

Rehaussez votre espace avec cet élégant art mural «Ten Commandments», mettant en vedette des œuvres bibliques intemporelles magnifiquement exposées sur une toile de haute qualité. Parfaite pour la décoration de la maison, du bureau ou de l'église, cette pièce sert de rappel quotidien de la foi et des valeurs. Prêt à être suspendu et fabriqué avec des matériaux durables et écologiques.

H 36 po x l 16 po x P 1,5 po

Circe Invidiosa est une peinture de John William Waterhouse complétée en 1892. Il s'agit de sa deuxième représentation, d'après Circe Offrant la coupe à Ulysses (1891), du personnage classique de la mythologie Circe. Cette représentation mythologique particulière est basée sur le récit d'Ovide dans Métamorphose, dans lequel Circé transforme Scylla en un monstre marin, uniquement parce que Glaucus a méprisé les avances romantiques de l'enchanteresse dans l'espoir d'atteindre l'amour de Scylla. Waterhouse revint plus tard sur le sujet de Circé une troisième fois avec The Sorceress (1911). Circe Invidiosa fait partie de la collection de l'Art Gallery of South australia, qui possède également la collection The favoris of the Emperor Honorius de Waterhouse en 1883.

H 12 po x l 24 po x P 0,75 po, Toile tendue

Frederic Remington (1861-1909); Un tableau de bord pour le bois d'œuvre; 1889; Huile sur toile; Amon Carter Museum of American Art, Fort Worth, Texas, collection Amon G Carter; 6161.381 Entre 1885 et 1888, Remington a effectué un certain nombre de voyages dans le Sud-Ouest, souvent pour couvrir les activités de la cavalerie américaine et sa quête des Apaches renégats. Il a été profondément influencé par le paysage austère de la région et a rempli ses carnets de croquis avec des notes de couleur et des commentaires sur la qualité spéciale de la lumière. En 1889, il a écrit à un ami qu'il travaillait sur «une grande photo de cow-boy», et il avait besoin que deux ou trois paires de chaps lui soient envoyées dès que possible. Il se référait à cette peinture, qui a débuté sa carrière lorsqu'elle a reçu une attention critique à la National Academy of Design à New York l'année suivante. L'effet global de la composition est saisissant, car les cavaliers en fuite galopent directement vers le spectateur. Fait intéressant, cette qualité cinématographique anticipe les nombreux films occidentaux qui suivront une génération plus tard.

My husband wanted "something with cowboys" in the entryway and I immediately thought of this one by Remington. I was happy to see that Wayfair carried it. I ordered it and it arrived yesterday. We got it hung up and it's perfect!. Sara S.. Tennessee. Fri Feb 21 2025

H 22,75 po x l 18,75 po x P 1 po

Rehaussez votre espace avec cet élégant art mural «Ten Commandments», mettant en vedette des œuvres bibliques intemporelles magnifiquement exposées sur une toile de haute qualité. Parfaite pour la décoration de la maison, du bureau ou de l'église, cette pièce sert de rappel quotidien de la foi et des valeurs. Prêt à être suspendu et fabriqué avec des matériaux durables et écologiques.

Peder Mork Mondsted est né près de Grenaa au Danemark. Il a commencé sa formation artistique à Aarhus, puis a étudié à l'Académie de Copenhague de 1875 à 1885. Démontrant son œil remarquable pour les détails, la couleur et la lumière, ses peintures représentent une vue romantique et poétique de la nature et ont capturé la grandeur et l'aspect mon la forme d'art du paysage.

Toile tendue, H 16 po x l 30 po x P 0,75 po

La préférence de longue date de Monet pour la production et l'exposition d'une série de peintures liées par sujet et par perspective a commencé en 1889, avec au moins dix peintures faites à la Vallée de la Creuse, qui ont été exposées à la Galerie Georges Petit. [3] Parmi ses autres séries célèbres, il y a ses meules de foin. Au cours des années 1920, l'État de la France a construit deux pièces ovales au musée de l'Orangerie pour accueillir huit peintures murales de nénuphars de Monet. L'exposition a été ouverte au public le 16 mai 1927, quelques mois après la mort de Monet. [1] Une soixantaine de peintures de nénuphars du monde entier ont été assemblées pour une exposition spéciale au musée de l'Orangerie en 1999. [4]

St. Michael Vanquish Satan est une peinture de l'artiste italien de la Haute Renaissance, Raphael. L'image se compose de l'archange Michael debout sur le dos de Satan avec son pied droit, tout en tenant une lance dans ses mains. Il s'agit d'une version à grande échelle et à maturité d'un sujet qu'il avait traité plus tôt dans la miniature miniature appelée St. Michael. Les deux œuvres sont situées au Louvre à Paris depuis 1667. La peinture a été commandée par le pape Léon X. Cette peinture a une signification symbolique dans la religion chrétienne car elle symbolise le triomphe de Dieu sur le mal. Raphael a eu le don de créer des images qui évoquent la divinité d'une manière subtile et était connu pour être habile à créer de l'espace dans ses compositions ainsi que des mouvements capturés sur un arrêt. Les techniques utilisées par Raphael ont été retenues à l'Académie royale de peinture et de sculpture par Charles Le Brun comme base du classique français. Raphael en tant qu'artiste était connu pour tenir tête aux papes et aux cardinaux. Ayant un père qui était également artiste, il a eu le dessus sur la navigation dans le domaine artistique.

Captive Andromache est une peinture à l'huile sur toile de Frederic Leighton, d'une largeur de 197 cm x 407 cm, réalisée en ca. Il est maintenant suspendu dans la galerie d'art

Grand Canyon du Colorado par Thomas Moran

H 20,5 po x l 34,5 po , Or

Une tempête dans les montagnes Rocheuses, le mont Rosalie est une peinture à l'huile de paysage réalisée en 1866 par le peintre germano-américain Albert Bierstadt, inspirée des croquis créés lors d'une expédition en 1863. Il s'est rendu dans les montagnes Rocheuses du Colorado où il a été emmené aux Lacs de Chicago sous le mont Evans. La peinture est nommée d'après la maîtresse de Bierstadt et, à l'époque, la femme de son amie, Rosalie Osborne Ludlow. [La citation nécessaire] La peinture, mesurant 210,8 × 361,3 cm (83,0 × 142,2 po), est exposée au Brooklyn Museum, qui a acheté en 1970

H 12 po x l 24 po x P 0,75 po, Toile tendue

Parmi les montagnes de la Sierra Nevada, en Californie (également connue sous le nom Parmi les montagnes de la Sierra Nevada), une peinture à l'huile sur toile de l'artiste germano-américain Albert Bierstadt, réalisée en 1868, représente une scène de paysage de la chaîne de montagnes de la Sierra Nevada en Californie. Créée dans son atelier à Rome, la peinture a été exposée dans toute l'Europe, suscitant un intérêt pour les États-Unis. La peinture est une pièce maîtresse de la collection de paysages du 19e siècle au Smithsonian American Art Museum de Washington, D.C.

Falaises à Pourville

Haystacks est le titre anglais commun d'une série de peintures impressionnistes de Claude Monet. Le sujet principal de chaque peinture de la série est des piles de blé récolté (ou peut-être de l'orge ou de l'avoine: le titre original, Les Meules à Giverny, signifie simplement Les piles à Giverny). Le titre se réfère principalement à une série de vingt-cinq toiles (numéros d'index Wildenstein 1266-1290) que Monet a commencé vers la fin de l'été 1890 et qui s'est prolongée jusqu'au printemps suivant, bien que Monet ait également produit cinq peintures plus anciennes utilisant ce même sujet de pile. La série est célèbre pour la façon dont Monet a répété le même sujet pour montrer la lumière et l'atmosphère différentes à différents moments de la journée, au fil des saisons et dans de nombreux types de conditions météorologiques. La série est l'une des œuvres les plus remarquables de Monet. Les plus grandes collections Haystacks sont conservées au musée d'Orsay et au musée Marmottan Monet à Paris, ainsi qu'à l'Art Institute of Chicago. Les autres collections comprennent le musée des beaux-arts de Boston, le Metropolitan Museum et le musée d'art moderne de New York. le musée national d'art occidental à Tokyo et le musée de l'Orangerie à Paris. La collection de l'Art Institute of Chicago comprend six des vingt-cinq meules de foin. D’autres musée qui détiennent des pièces de cette série comprennent le Getty Center à Los Angeles, le musée de Farmington, Connecticut (qui possède également l’un des cinq de la récolte de 1888 à 1898), la Scottish National Gallery, le Minneapolis Institute of Arts, Kunsthaus Zurich, musée d'art de Tel-aviv et musée Shelburne, Vermont. Les collections privées abritent les peintures Haystacks restantes.

Vechtende maintenue

H 19,6 po x l 33,6 po x P 1 po

Westward the Course of Empire Takes Its Way (également connu sous le nom de Westward Ho) est une murale peinte de 20 par 30 pieds (6,1 m x 9,1 m) exposée derrière l'escalier ouest de la chambre du bâtiment des États-Unis. La peinture murale a été peinte par Emanuel Gottlieb Leutze en 1861 et symbolise le Maniforme du Destin, la croyance selon laquelle les États-Unis étaient destinés à l’exploration et à l’expansion de l’Occident depuis les premières colons le long de la côte atlantique jusqu'à l’océan Pacifique. Une étude de mesure est suspendue au Smithsonian American Art Museum. L'obscurité se transformant en lumière représente la grandeur que l'on croyait se trouver dans le futur Ouest.

Toile tendue, H 16 po x l 36 po x P 1,5 po

Le champ de blé avec corbeaux est l'une des peintures les plus célèbres de Van Gogh et probablement la plus sujette à spéculation. Elle a été exécutée en juillet 1890, dans les dernières semaines de la vie de Van Gogh.

Frederic Remington (1861-1909); Un tableau de bord pour le bois d'œuvre; 1889; Huile sur toile; Amon Carter Museum of American Art, Fort Worth, Texas, collection Amon G Carter; 6161.381 Entre 1885 et 1888, Remington a effectué un certain nombre de voyages dans le Sud-Ouest, souvent pour couvrir les activités de la cavalerie américaine et sa quête des Apaches renégats. Il a été profondément influencé par le paysage austère de la région et a rempli ses carnets de croquis avec des notes de couleur et des commentaires sur la qualité spéciale de la lumière. En 1889, il a écrit à un ami qu'il travaillait sur «une grande photo de cow-boy», et il avait besoin que deux ou trois paires de chaps lui soient envoyées dès que possible. Il se référait à cette peinture, qui a débuté sa carrière lorsqu'elle a reçu une attention critique à la National Academy of Design à New York l'année suivante. L'effet global de la composition est saisissant, car les cavaliers en fuite galopent directement vers le spectateur. Fait intéressant, cette qualité cinématographique anticipe les nombreux films occidentaux qui suivront une génération plus tard.