A&T ARTWORK

H 16 po x l 20 po

La peinture, combinant des personnages, des natures mortes et des paysages en une seule œuvre, représente un groupe d'amis de Renoir se détendant sur un balcon au restaurant de la Maison Fournaise le long de la seine à Chatou, en France. Le peintre et mécène, Gustave Caillebotte, est assis en bas à droite. La future épouse de Renoir, Aline Charigot, joue au premier plan avec un petit chien, un affenpinscher; elle a remplacé une femme qui était assise pour la peinture, mais avec qui Renoir est devenu ennuyé. Sur la table se trouvent des fruits et du vin. La diagonale de la balustrade sert à délimiter les deux moitiés de la composition, l'une dense de figurines, l'autre presque vide, à l'exception des deux figurines de la fille de la propriétaire, Louise-Alfonsine Fournaise, et de son frère, Alphonse Fournaise, Jr. sont mis en valeur par ce contraste. Dans cette peinture, Renoir a capturé beaucoup de lumière. Le centre d'intérêt de la lumière vient de la grande ouverture du balcon, à côté du grand homme en chapeau. Les singulets des deux hommes au premier plan et la nappe travaillent tous ensemble pour refléter cette lumière et l'envoyer à travers toute la composition.

H 30 po x l 24 po

Wanderer au-dessus de la mer de brouillard (allemand: Der Wanderer über dem Nebelmeer), également connu sous le nom de Wanderer au-dessus de la brume ou Mountaineer dans un paysage brumeux, est une peinture à l'huile c. 1818 par l'artiste romantique allemand Caspar David Frederic. Il a été considéré comme l'un des chefs-d'œuvre du romantisme et l'une de ses œuvres les plus représentatives. Il réside actuellement à la Kunsthalle de Hambourg, en Allemagne.

La signature de la déclaration d'indépendance des États-Unis a eu lieu principalement le 2 août 1776 à la Pennsylvania State House, à l'Independence Hall à Philadelphie, en Pennsylvanie. Les 56 Délégués au Deuxième Congres Continental représentaient les 13 anciennes Colonies qui s'étaient proclamées les «États-Unis d'Amérique» et ils approuvèrent la déclaration d'Independance que le Congres avait approuvée le 4 juillet 1776. La déclaration proclama que les treize anciens Les Colonies alors en guerre avec la Grande-Bretagne étaient maintenant une nation indépendante et ne faisant plus partie de l'Empire britannique. Les noms des signataires sont regroupés par état, à l’exception du président du Congres Continental John Hancock; les États sont organisés géographiquement du sud au nord, avec Button Gwinnett de Georgia en premier et Matthew Thornton du New Hampshire en dernier.

love it. Heather. NY. Tue Jun 30 2026

Cadre doré, H 24,5 po x l 20,5 po x P 1,5 po

«Flames June» est une peinture de Sir Frederic Leighton, produite en 1895. Peinte à l'huile sur une toile carrée de 47 par 47 po (1 200 mm x 1 200 mm), elle est largement considérée comme le magnum opus de Leighton, montrant son classique. nature. On pense que la femme représentée fait allusion aux silhouettes de nymphes et de naïades endormies que les Grecs sculptaient souvent. Le mois de juin flamboyant disparut de la vue au début des années 1900 et ne fut redécouvert que dans les années 1960. Elle a été vendue à l'encan peu de temps après, pendant une période connue pour être difficile à vendre des peintures de l'époque victorienne, où elle n'a pas été vendue pour son bas prix de réserve de 140 $ US (l'équivalent de 1 126 $ en prix modernes). Après l'enchère, il a été rapidement acheté par le musée d'art de Ponce à Ponce, Porto Rico, où il réside actuellement.

Cadre doré, H 22 po x l 36 po x P 1 po

Washington Crossing the Delaware est une peinture à l'huile sur toile de l'artiste germano-américain Emanuel Leutze de 1851. Il commémore la traversée de la rivière Delaware par le général George Washington avec l’armée Continentale dans la nuit du 25 au 26 décembre 1776, pendant la guerre d’ révolution américaine. Cette action a été le premier mouvement d'attaque surprise et de victoire contre les forces de Hesse à la bataille de Trenton, dans le New Jersey, le matin du 26 décembre. L'original fait partie de la collection à la Kasthalle de Brême, en Allemagne, et a été détruit dans un bombardement en 1942, pendant la Seconde Guerre mondiale. Leutze a peint deux autres versions, dont l'une se trouve maintenant au Metropolitan Museum of Art de New York. L'autre était dans la zone de réception de West Wing à Washington, DC, mais en mars 2015, il a été exposé au Minnesota Marine Art Museum de Winona, Minnesota.

H 45 po x l 24 po x P 1,5 po

Circe Invidiosa est une peinture de John William Waterhouse complétée en 1892. Il s'agit de sa deuxième représentation, d'après Circe Offrant la coupe à Ulysses (1891), du personnage classique de la mythologie Circe. Cette représentation mythologique particulière est basée sur le récit d'Ovide dans Métamorphose, dans lequel Circé transforme Scylla en un monstre marin, uniquement parce que Glaucus a méprisé les avances romantiques de l'enchanteresse dans l'espoir d'atteindre l'amour de Scylla. Waterhouse revint plus tard sur le sujet de Circé une troisième fois avec The Sorceress (1911). Circe Invidiosa fait partie de la collection de l'Art Gallery of South australia, qui possède également la collection The favoris of the Emperor Honorius de Waterhouse en 1883.

She is lovely! I bought this print for my mantle. At 42 inches tall, it fills the space and is so very eye catching.. Anonyme. Mon Sep 14 2026

H 24 po x l 45 po x P 1,5 po

La création d'Adam (italien: Creazione di Adamo) est une peinture de fresque de l'artiste italien Michelangelo, qui fait partie du plafond de la chapelle Sixtine, peinte c. 1508-1512. Il illustre le récit de la création biblique du livre de la Genèse dans lequel Dieu donne la vie à Adam, le premier homme. La fresque fait partie d'un ensemble iconographique complexe et est le quatrième de la série de panneaux représentant des époques de Genesis. L'image des mains proches de Dieu et d'Adam est devenue emblématique de l'humain. La peinture a été reproduite dans d'innombrables imitations et parodie. La création d'Adam de Michel-Ange est l'une des peintures religieuses les plus reproduites de tous les temps.

Beautiful art work. Jessica. Wed Mar 04 2026

H 24,5 po x l 20,5 po

Rehaussez votre espace avec cet élégant art mural «Ten Commandments», mettant en vedette des œuvres bibliques intemporelles magnifiquement exposées sur une toile de haute qualité. Parfaite pour la décoration de la maison, du bureau ou de l'église, cette pièce sert de rappel quotidien de la foi et des valeurs. Prêt à être suspendu et fabriqué avec des matériaux durables et écologiques.

H 16 po x l 20 po

La Nuit étoilée est une huile sur toile du peintre néerlandais post-impressionniste Vincent van Gogh. Peint en juin 1889, il décrit la vue depuis la fenêtre orientée à l'est de sa chambre d'asile à Saint-Remy-de-Provence, juste avant le lever du soleil, avec l'ajout d'un village idéal. Il fait partie de la collection permanente du musée d'art moderne de New York depuis 1941, acquise par le biais du patrimoine de Lillie P. Bliss. Considérée comme l'une des plus belles œuvres de Van Gogh, [4] The Starry Night est l'une des peintures les plus reconnues de l'histoire de la culture occidentale.

Marina-sarad. Fri Aug 14 2026

Cadre doré, H 16,5 po x l 28,5 po x P 1 po

Arnold Böcklin a passé l'automne 1879 à Ischia. Le Castello Alfonso, sur une petite île à proximité, l'a profondément impressionné pendant son séjour. Lorsque la jeune veuve Marie Berna a rendu visite à l’atelier de Böcklin à Florence en 1880 et a demandé une «photo pour rêver», le souvenir de ce paysage doit avoir fusionné avec des souvenirs antérieurs, par exemple, des îles des morts comme San Michele Venise et les falaises étrusques nécropoles. L'Île des Morts est devenue l'une des œuvres les plus populaires de Böcklin. Il a atteint cet objectif en combinant un nombre limité d'idées dans une composition atmosphérique impressionnante. Les motifs - île, eau et château ou vil-la au bord de la mer - sont déjà familiers à plusieurs de ses œuvres plus anciennes. Cependant, dans ce cas, ils ont été concentrés dans une déclaration de Weltanschauung de l'artiste. L'emplacement est sinistre. Le regard du spectateur est dirigé vers le haut des marches, mais ne peut plus pénétrer dans l'obscurité. La symétrie stricte de l'île, les horizontales et verticales calmes, l'îlot circulaire entouré de hauts murs de falaise et l'éclairage magique créent une atmosphère à la fois solennelle et sublime, évoquant un sentiment de calme et d'un autre monde. La surface sans ondulation de l'eau et le bateau portant le cercueil avec une silhouette enveloppée de blanc ajoutent un ton mélancolique à l'ensemble. L'image appartenant à la Nationalgalerie est la troisième des cinq versions. Il a été commandé en 1883 par le marchand d'art Fritz Gurlitt. C'est Gurlitt qui a ensuite donné à l'œuvre son titre mémorable et, avec un œil vif pour les affaires, a demandé à Max Klinger d'en graver le contenu. Ce fut la version qui a établi la renommée extraordinaire de l'image à la fin du dix-neuvième siècle. Tout omniprésente sous la forme de photographies et d'impressions, l'Île des Morts reflétait le sentiment d'une époque entière: les gens s'identifiaient à celle-ci et elle devint une image préférée de fin de siècle.

Circe Invidiosa est une peinture de John William Waterhouse complétée en 1892. Il s'agit de sa deuxième représentation, d'après Circe Offrant la coupe à Ulysses (1891), du personnage classique de la mythologie Circe. Cette représentation mythologique particulière est basée sur le récit d'Ovide dans Métamorphose, dans lequel Circé transforme Scylla en un monstre marin, uniquement parce que Glaucus a méprisé les avances romantiques de l'enchanteresse dans l'espoir d'atteindre l'amour de Scylla. Waterhouse revint plus tard sur le sujet de Circé une troisième fois avec The Sorceress (1911). Circe Invidiosa fait partie de la collection de l'Art Gallery of South australia, qui possède également la collection The favoris of the Emperor Honorius de Waterhouse en 1883.

Fille avec une boucle d'oreille en perle (néerlandais: Meisje met de parel) est une peinture à l'huile du peintre hollandais de l'âge d'or, Jean Vermeer. 1665. Portant divers noms au fil des siècles, il est devenu connu sous son titre actuel vers la fin du 20e siècle après la grande boucle d'oreille en perle portée par la fille qui y est représentée. L'œuvre se trouve dans la collection du Mauritshuis à La Haye depuis 1902 et a fait l'objet de divers traitements littéraires. En 2006, le public néerlandais l'a choisie comme la plus belle peinture des Pays-Bas.

La tempête sur la mer de Galilée est une peinture à l'huile sur toile de 1633 par le peintre hollandais de l'âge d'or Rembrandt van Rijn. Il était auparavant dans le musée Isabella Stewart Gardner à Boston, mais a été volé en 1990 et il manque toujours. La peinture représente le miracle de Jésus apaisant la tempête sur la mer de Galilée, en particulier tel qu'il est décrit dans le quatrième chapitre de l'Évangile de Marc. C'est le seul paysage marin de Rembrandt.

Impression, lever de soleil (français: Impression, soleil levant) est une peinture de Claude Monet qui a été exposée pour la première fois à l'exposition des impressionnistes à Paris en avril 1874. mouvement. Impression, Sunrise représente le port du Havre, la ville natale de Monet. Il est maintenant exposé au musée Marmottan Monet à Paris.

Haystacks est le titre anglais commun d'une série de peintures impressionnistes de Claude Monet. Le sujet principal de chaque peinture de la série est des piles de blé récolté (ou peut-être de l'orge ou de l'avoine: le titre original, Les Meules à Giverny, signifie simplement Les piles à Giverny). Le titre se réfère principalement à une série de vingt-cinq toiles (numéros d'index Wildenstein 1266-1290) que Monet a commencé vers la fin de l'été 1890 et qui s'est prolongée jusqu'au printemps suivant, bien que Monet ait également produit cinq peintures plus anciennes utilisant ce même sujet de pile. La série est célèbre pour la façon dont Monet a répété le même sujet pour montrer la lumière et l'atmosphère différentes à différents moments de la journée, au fil des saisons et dans de nombreux types de conditions météorologiques. La série est l'une des œuvres les plus remarquables de Monet. Les plus grandes collections Haystacks sont conservées au musée d'Orsay et au musée Marmottan Monet à Paris, ainsi qu'à l'Art Institute of Chicago. Les autres collections comprennent le musée des beaux-arts de Boston, le Metropolitan Museum et le musée d'art moderne de New York. le musée national d'art occidental à Tokyo et le musée de l'Orangerie à Paris. La collection de l'Art Institute of Chicago comprend six des vingt-cinq meules de foin. D’autres musée qui détiennent des pièces de cette série comprennent le Getty Center à Los Angeles, le musée de Farmington, Connecticut (qui possède également l’un des cinq de la récolte de 1888 à 1898), la Scottish National Gallery, le Minneapolis Institute of Arts, Kunsthaus Zurich, musée d'art de Tel-aviv et musée Shelburne, Vermont. Les collections privées abritent les peintures Haystacks restantes.

Cadre doré, H 16,5 po x l 28,5 po x P 1 po

Les vues de Jasper Francis Cropsey sur des scènes d'automne enflammées ont capturé les forêts, les montagnes et les vallées du nord-est dans une célébration de la beauté naturelle unique, souvent intacte, de l'Amérique. Au fur et à mesure que la nation grandit, la présence humaine empiète de plus en plus sur cette beauté naturelle. Les images du chemin de fer symbolisent souvent cette croissance, vue à la fois comme un signe de progrès et de la perte de la nature. Cropsey, cependant, adoptait souvent une vision idéaliste de la relation entre l’homme et la terre. Dans cette peinture, un train et un tréteau se fondent facilement dans le paysage environnant - la fumée blanche du train faisant écho aux nuages au-dessus - créant une scène paisible d'homme et de nature existant en harmonie.

Toile tendue, H 12 po x l 24 po x P 0,75 po

Parmi les montagnes de la Sierra Nevada, en Californie (également connue sous le nom Parmi les montagnes de la Sierra Nevada), une peinture à l'huile sur toile de l'artiste germano-américain Albert Bierstadt, réalisée en 1868, représente une scène de paysage de la chaîne de montagnes de la Sierra Nevada en Californie. Créée dans son atelier à Rome, la peinture a été exposée dans toute l'Europe, suscitant un intérêt pour les États-Unis. La peinture est une pièce maîtresse de la collection de paysages du 19e siècle au Smithsonian American Art Museum de Washington, D.C.

Brun, H 21,5 po x l 35,5 po x P 1 po

La création d'Adam (italien: Creazione di Adamo) est une peinture de fresque de l'artiste italien Michelangelo, qui fait partie du plafond de la chapelle Sixtine, peinte c. 1508-1512. Il illustre le récit de la création biblique du livre de la Genèse dans lequel Dieu donne la vie à Adam, le premier homme. La fresque fait partie d'un ensemble iconographique complexe et est le quatrième de la série de panneaux représentant des époques de Genesis. L'image des mains proches de Dieu et d'Adam est devenue emblématique de l'humain. La peinture a été reproduite dans d'innombrables imitations et parodie. La création d'Adam de Michel-Ange est l'une des peintures religieuses les plus reproduites de tous les temps.

Le couronnement de Napoléon et le couronnement de Joséphine à Notre Dame de Paris

Steven. East York, ON. Wed Jun 10 2026

Or, H 20,5 po x l 34,5 po

Une tempête dans les montagnes Rocheuses, le mont Rosalie est une peinture à l'huile de paysage réalisée en 1866 par le peintre germano-américain Albert Bierstadt, inspirée des croquis créés lors d'une expédition en 1863. Il s'est rendu dans les montagnes Rocheuses du Colorado où il a été emmené aux Lacs de Chicago sous le mont Evans. La peinture est nommée d'après la maîtresse de Bierstadt et, à l'époque, la femme de son amie, Rosalie Osborne Ludlow. [La citation nécessaire] La peinture, mesurant 210,8 × 361,3 cm (83,0 × 142,2 po), est exposée au Brooklyn Museum, qui a acheté en 1970

Encadré gris, H 15,6 po x l 27,6 po x P 1 po

Thomas Moran est un peintre et graveur américain de la Hudson River School à New York, né le Moran et sa famille, son épouse Mary Nimmo Moran et sa fille Ruth ont résidé à New York où il a obtenu un travail d'artiste. Il était un frère cadet du célèbre artiste marin Edward Moran, avec qui il partagea un studio. Un illustrateur talentueux et un coloriste exquis, Thomas Moran a été embauché comme illustrateur au Scribner's mensuel. À la fin des années 1860, il a été nommé illustrateur en chef du magazine, un poste qui lui a permis de lancer sa carrière en tant que l'un des plus grands peintres du paysage américain, en particulier l'Ouest américain.

Cadre doré, H 28,5 po x l 34,5 po x P 1 po

The Kiss (en allemand Der Kuss) est une peinture à l'huile sur toile avec feuilles d'or, argent et platine. par le symboliste autrichien Gustav Klimt. Il a été peint à un certain moment en 1907 et 1908, au plus fort de ce que les savants appelent sa «période dorée». Il a été exposé en 1908 sous le titre Liebespaar (les amoureux) comme indiqué dans le catalogue de l'exposition. La peinture représente un couple s'embrassant, leurs corps entrelacés dans de belles robes élaborées décorées dans un style influencé par le style Art nouveau contemporain et les formes organiques de l'ancien mouvement Arts and Crafts. La peinture est maintenant suspendue au musée de la galerie Belvedere, à Vienne, et est considérée comme un chef-d'œuvre de la sécession de Vienne (variation locale de l'art nouveau) et de l'œuvre la plus populaire de Klimt.

Toile tendue, H 16 po x l 36 po x P 1,5 po

Nymphéas par Claude Monet

Gold, 16.5" H x 28.5" W x 1" D

La préférence de longue date de Monet pour la production et l'exposition d'une série de peintures liées par sujet et par perspective a commencé en 1889, avec au moins dix peintures faites à la Vallée de la Creuse, qui ont été exposées à la Galerie Georges Petit. [3] Parmi ses autres séries célèbres, il y a ses meules de foin. Au cours des années 1920, l'État de la France a construit deux pièces ovales au musée de l'Orangerie pour accueillir huit peintures murales de nénuphars de Monet. L'exposition a été ouverte au public le 16 mai 1927, quelques mois après la mort de Monet. [1] Une soixantaine de peintures de nénuphars du monde entier ont été assemblées pour une exposition spéciale au musée de l'Orangerie en 1999. [4]

Cadre doré, H 16,5 po x l 28,5 po x P 1 po

Westward the Course of Empire Takes Its Way (également connu sous le nom de Westward Ho) est une murale peinte de 20 par 30 pieds (6,1 m x 9,1 m) exposée derrière l'escalier ouest de la chambre du bâtiment des États-Unis. La peinture murale a été peinte par Emanuel Gottlieb Leutze en 1861 et symbolise le Maniforme du Destin, la croyance selon laquelle les États-Unis étaient destinés à l’exploration et à l’expansion de l’Occident depuis les premières colons le long de la côte atlantique jusqu'à l’océan Pacifique. Une étude de 84,5 cm x 110,2 cm (33 1 1/4 x 43 3 3/4) est suspendue au Smithsonian American Art Museum. L'obscurité se transformant en lumière représente la grandeur que l'on croyait se trouver dans le futur Ouest.

À l'automne 1890, l'impressionniste Claude Monet s'arrange pour que les meules de blé près de chez lui soient laissées en suspens pendant l'hiver. À l'été suivant, il les avait peintes au moins 30 fois, à différents moments des saisons. Wheatstacks a été la première série de Monet et la première dans laquelle il s'est concentré sur un seul sujet, ne distinguant les images que par la couleur, le toucher, la composition, l'éclairage et les conditions météorologiques. Il a dit: «Pour moi, un paysage existe à peine comme un paysage, car son apparence change constamment; mais il vit en raison de son environnement, de l'air et de la lumière qui varient continuellement. Après avoir commencé à l'extérieur, Monet a retravaillé chaque peinture de son atelier pour créer les harmonies de couleurs qui unissent chaque toile. Les roses dans le ciel font écho aux reflets de la neige, et le bleu des ombres des meules de blé se retrouve dans la lumière hivernale qui brille sur les piles, sur les toits des maisons et dans la terre enneigée. Avec ses coups de pinceau surélevés et cassés, Monet a capturé des nuances de lumière et créé une structure géométrique solide qui empêche la surface de se fondre simplement en taches. Les meules de blé sont de formes solides et, tandis que les maisons périphériques sont indéchiffrables, elles sont dégagées de loin.

Doré, H 16,5 po x l 28,5 po x P 1 po

Parmi les montagnes de la Sierra Nevada, en Californie (également connue sous le nom Parmi les montagnes de la Sierra Nevada), une peinture à l'huile sur toile de l'artiste germano-américain Albert Bierstadt, réalisée en 1868, représente une scène de paysage de la chaîne de montagnes de la Sierra Nevada en Californie. Créée dans son atelier à Rome, la peinture a été exposée dans toute l'Europe, suscitant un intérêt pour les États-Unis. La peinture est une pièce maîtresse de la collection de paysages du 19e siècle au Smithsonian American Art Museum de Washington, D.C.

Frederic Remington (1861-1909); Un tableau de bord pour le bois d'œuvre; 1889; Huile sur toile; Amon Carter Museum of American Art, Fort Worth, Texas, collection Amon G Carter; 6161.381 Entre 1885 et 1888, Remington a effectué un certain nombre de voyages dans le Sud-Ouest, souvent pour couvrir les activités de la cavalerie américaine et sa quête des Apaches renégats. Il a été profondément influencé par le paysage austère de la région et a rempli ses carnets de croquis avec des notes de couleur et des commentaires sur la qualité spéciale de la lumière. En 1889, il a écrit à un ami qu'il travaillait sur «une grande photo de cow-boy», et il avait besoin que deux ou trois paires de chaps lui soient envoyées dès que possible. Il se référait à cette peinture, qui a débuté sa carrière lorsqu'elle a reçu une attention critique à la National Academy of Design à New York l'année suivante. L'effet global de la composition est saisissant, car les cavaliers en fuite galopent directement vers le spectateur. Fait intéressant, cette qualité cinématographique anticipe les nombreux films occidentaux qui suivront une génération plus tard.

Love it! It is perfect above our mantel.. Cathy. Arlington, TX. Sun Mar 23 2025

H 30 po x l 24 po

La Dame en or de Gustav Klimt, également connu sous le nom de Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, met en valeur le style doré emblématique et l'élégance de Klimt, ce qui en fait un chef-d'œuvre intemporel parfait pour la décoration intérieure.

Not as expected… would like to return. Joyceellen. West Orange, NJ. Tue Nov 25 2025

Le matin, vue vers l'est sur la vallée de l'Hudson depuis les montagnes Catskill

H 24 po x l 45 po x P 1,5 po

Le matin, vue vers l'est sur la vallée de l'Hudson depuis les montagnes Catskill

Peder Mork Mondsted est né près de Grenaa au Danemark. Il a commencé sa formation artistique à Aarhus, puis a étudié à l'Académie de Copenhague de 1875 à 1885. Démontrant son œil remarquable pour les détails, la couleur et la lumière, ses peintures représentent une vue romantique et poétique de la nature et ont capturé la grandeur et l'aspect mon la forme d'art du paysage.

Wanderer au-dessus de la mer de brouillard (allemand: Der Wanderer über dem Nebelmeer), également connu sous le nom de Wanderer au-dessus de la brume ou Mountaineer dans un paysage brumeux, est une peinture à l'huile c. 1818 par l'artiste romantique allemand Caspar David Frederic. Il a été considéré comme l'un des chefs-d'œuvre du romantisme et l'une de ses œuvres les plus représentatives. Il réside actuellement à la Kunsthalle de Hambourg, en Allemagne.

Haystacks est le titre anglais commun d'une série de peintures impressionnistes de Claude Monet. Le sujet principal de chaque peinture de la série est des piles de blé récolté (ou peut-être de l'orge ou de l'avoine: le titre original, Les Meules à Giverny, signifie simplement Les piles à Giverny). Le titre se réfère principalement à une série de vingt-cinq toiles (numéros d'index Wildenstein 1266-1290) que Monet a commencé vers la fin de l'été 1890 et qui s'est prolongée jusqu'au printemps suivant, bien que Monet ait également produit cinq peintures plus anciennes utilisant ce même sujet de pile. La série est célèbre pour la façon dont Monet a répété le même sujet pour montrer la lumière et l'atmosphère différentes à différents moments de la journée, au fil des saisons et dans de nombreux types de conditions météorologiques. La série est l'une des œuvres les plus remarquables de Monet. Les plus grandes collections Haystacks sont conservées au musée d'Orsay et au musée Marmottan Monet à Paris, ainsi qu'à l'Art Institute of Chicago. Les autres collections comprennent le musée des beaux-arts de Boston, le Metropolitan Museum et le musée d'art moderne de New York. le musée national d'art occidental à Tokyo et le musée de l'Orangerie à Paris. La collection de l'Art Institute of Chicago comprend six des vingt-cinq meules de foin. D’autres musée qui détiennent des pièces de cette série comprennent le Getty Center à Los Angeles, le musée de Farmington, Connecticut (qui possède également l’un des cinq de la récolte de 1888 à 1898), la Scottish National Gallery, le Minneapolis Institute of Arts, Kunsthaus Zurich, musée d'art de Tel-aviv et musée Shelburne, Vermont. Les collections privées abritent les peintures Haystacks restantes.

H 24,5 po x l 34,5 po

«Le souper à Emmaüs» dépeint le moment où Jésus se révèle aux Disciples après sa résurrection. Une pièce intemporelle pour les amateurs d'art.

H 16 po x l 36 po x P 1,5 po

Haystacks est le titre anglais commun d'une série de peintures impressionnistes de Claude Monet. Le sujet principal de chaque peinture de la série est des piles de blé récolté (ou peut-être de l'orge ou de l'avoine: le titre original, Les Meules à Giverny, signifie simplement Les piles à Giverny). Le titre se réfère principalement à une série de vingt-cinq toiles (numéros d'index Wildenstein 1266-1290) que Monet a commencé vers la fin de l'été 1890 et qui s'est prolongée jusqu'au printemps suivant, bien que Monet ait également produit cinq peintures plus anciennes utilisant ce même sujet de pile. La série est célèbre pour la façon dont Monet a répété le même sujet pour montrer la lumière et l'atmosphère différentes à différents moments de la journée, au fil des saisons et dans de nombreux types de conditions météorologiques. La série est l'une des œuvres les plus remarquables de Monet. Les plus grandes collections Haystacks sont conservées au musée d'Orsay et au musée Marmottan Monet à Paris, ainsi qu'à l'Art Institute of Chicago. Les autres collections comprennent le musée des beaux-arts de Boston, le Metropolitan Museum et le musée d'art moderne de New York. le musée national d'art occidental à Tokyo et le musée de l'Orangerie à Paris. La collection de l'Art Institute of Chicago comprend six des vingt-cinq meules de foin. D’autres musée qui détiennent des pièces de cette série comprennent le Getty Center à Los Angeles, le musée de Farmington, Connecticut (qui possède également l’un des cinq de la récolte de 1888 à 1898), la Scottish National Gallery, le Minneapolis Institute of Arts, Kunsthaus Zurich, musée d'art de Tel-aviv et musée Shelburne, Vermont. Les collections privées abritent les peintures Haystacks restantes.

Toile tendue, H 16 po x l 36 po x P 1,5 po

Westward the Course of Empire Takes Its Way (également connu sous le nom de Westward Ho) est une murale peinte de 20 par 30 pieds (6,1 m x 9,1 m) exposée derrière l'escalier ouest de la chambre du bâtiment des États-Unis. La peinture murale a été peinte par Emanuel Gottlieb Leutze en 1861 et symbolise le Maniforme du Destin, la croyance selon laquelle les États-Unis étaient destinés à l’exploration et à l’expansion de l’Occident depuis les premières colons le long de la côte atlantique jusqu'à l’océan Pacifique. Une étude de 84,5 cm x 110,2 cm (33 1 1/4 x 43 3 3/4) est suspendue au Smithsonian American Art Museum. L'obscurité se transformant en lumière représente la grandeur que l'on croyait se trouver dans le futur Ouest.

Cadre doré, H 22 po x l 36 po x P 1 po

Haystacks est le titre anglais commun d'une série de peintures impressionnistes de Claude Monet. Le sujet principal de chaque peinture de la série est des piles de blé récolté (ou peut-être de l'orge ou de l'avoine: le titre original, Les Meules à Giverny, signifie simplement Les piles à Giverny). Le titre se réfère principalement à une série de vingt-cinq toiles (numéros d'index Wildenstein 1266-1290) que Monet a commencé vers la fin de l'été 1890 et qui s'est prolongée jusqu'au printemps suivant, bien que Monet ait également produit cinq peintures plus anciennes utilisant ce même sujet de pile. La série est célèbre pour la façon dont Monet a répété le même sujet pour montrer la lumière et l'atmosphère différentes à différents moments de la journée, au fil des saisons et dans de nombreux types de conditions météorologiques. La série est l'une des œuvres les plus remarquables de Monet. Les plus grandes collections Haystacks sont conservées au musée d'Orsay et au musée Marmottan Monet à Paris, ainsi qu'à l'Art Institute of Chicago. Les autres collections comprennent le musée des beaux-arts de Boston, le Metropolitan Museum et le musée d'art moderne de New York. le musée national d'art occidental à Tokyo et le musée de l'Orangerie à Paris. La collection de l'Art Institute of Chicago comprend six des vingt-cinq meules de foin. D’autres musée qui détiennent des pièces de cette série comprennent le Getty Center à Los Angeles, le musée de Farmington, Connecticut (qui possède également l’un des cinq de la récolte de 1888 à 1898), la Scottish National Gallery, le Minneapolis Institute of Arts, Kunsthaus Zurich, musée d'art de Tel-aviv et musée Shelburne, Vermont. Les collections privées abritent les peintures Haystacks restantes.

La Dame en or de Gustav Klimt, également connu sous le nom de Portrait d'Adele Bloch-Bauer I, met en valeur le style doré emblématique et l'élégance de Klimt, ce qui en fait un chef-d'œuvre intemporel parfait pour la décoration intérieure.

Or, 20.5" H x 34.5" W

Captive Andromache est une peinture à l'huile sur toile de Frederic Leighton, d'une largeur de 197 cm x 407 cm, réalisée en ca. Il est maintenant suspendu dans la galerie d'art

Westward the Course of Empire Takes Its Way (également connu sous le nom de Westward Ho) est une murale peinte de 20 par 30 pieds (6,1 m x 9,1 m) exposée derrière l'escalier ouest de la chambre des Représentants du Capitole des États-Unis . La peinture murale a été peinte par Emanuel Gottlieb Leutze en 1861 et symbolise la Maniforme du Destin, la croyance que les États-Unis étaient destinés à l’exploration et à l’expansion de l’Occident à partir des premières colons le long de la côte atlantique jusqu'à l’océan Pacifique. Une étude de 84,5 cm x 110,2 cm (33 1 1/4 x 43 3 3/4) est suspendue au Smithsonian American Art Museum. L'obscurité se transformant en lumière représente la grandeur que l'on croyait se trouver dans le futur Ouest.

Toile tendue, H 12 po x l 24 po x P 0,75 po

Peder Mork Mondsted est né près de Grenaa au Danemark. Il a commencé sa formation artistique à Aarhus, puis a étudié à l'Académie de Copenhague de 1875 à 1880. Démontrant son œil remarquable pour les détails, la couleur et la lumière, ses peintures représentent une vue romantique et poétique de la nature et ont capturé la grandeur et l'aspect mon la forme d'art du paysage.

Toile tendue, H 16 po x l 30 po x P 0,75 po

Parmi les montagnes de la Sierra Nevada, en Californie (également connue sous le nom Parmi les montagnes de la Sierra Nevada), une peinture à l'huile sur toile de l'artiste germano-américain Albert Bierstadt, réalisée en 1868, représente une scène de paysage de la chaîne de montagnes de la Sierra Nevada en Californie. Créée dans son atelier à Rome, la peinture a été exposée dans toute l'Europe, suscitant un intérêt pour les États-Unis. Mesurant 72 x 120 1/8 po (1,83 x 3,05 m), la peinture est une pièce maîtresse de la collection de paysages du 19e siècle au Smithsonian American Art Museum à Washington, D.C.

H 45 po x l 36 po x P 1,5 po

Rehaussez votre espace avec cet élégant art mural «Ten Commandments», mettant en vedette des œuvres bibliques intemporelles magnifiquement exposées sur une toile de haute qualité. Parfaite pour la décoration de la maison, du bureau ou de l'église, cette pièce sert de rappel quotidien de la foi et des valeurs. Prêt à être suspendu et fabriqué avec des matériaux durables et écologiques.

16" H x 36" W x 1.5" D

Wickham Pond et Sugar Loaf Mountain

Cadre photo gris simple, H 15,6 po x l 27,6 po x P 1 po

La préférence de longue date de Monet pour la production et l'exposition d'une série de peintures liées par sujet et par perspective a commencé en 1889, avec au moins dix peintures faites à la Vallée de la Creuse, qui ont été exposées à la Galerie Georges Petit. [3] Parmi ses autres séries célèbres, il y a ses meules de foin. Au cours des années 1920, l'État de la France a construit deux pièces ovales au musée de l'Orangerie pour accueillir huit peintures murales de nénuphars de Monet. L'exposition a été ouverte au public le 16 mai 1927, quelques mois après la mort de Monet. [1] Une soixantaine de peintures de nénuphars du monde entier ont été assemblées pour une exposition spéciale au musée de l'Orangerie en 1999. [4]

Toile tendue, H 16 po x l 36 po x P 1,5 po

À l'automne 1890, l'impressionniste Claude Monet s'arrange pour que les meules de blé près de chez lui soient laissées en suspens pendant l'hiver. À l'été suivant, il les avait peintes au moins 30 fois, à différents moments des saisons. Wheatstacks a été la première série de Monet et la première dans laquelle il s'est concentré sur un seul sujet, ne distinguant les images que par la couleur, le toucher, la composition, l'éclairage et les conditions météorologiques. Il a dit: «Pour moi, un paysage existe à peine comme un paysage, car son apparence change constamment; mais il vit en raison de son environnement, de l'air et de la lumière qui varient continuellement. Après avoir commencé à l'extérieur, Monet a retravaillé chaque peinture de son atelier pour créer les harmonies de couleurs qui unissent chaque toile. Les roses dans le ciel font écho aux reflets de la neige, et le bleu des ombres des meules de blé se retrouve dans la lumière hivernale qui brille sur les piles, sur les toits des maisons et dans la terre enneigée. Avec ses coups de pinceau surélevés et cassés, Monet a capturé des nuances de lumière et créé une structure géométrique solide qui empêche la surface de se fondre simplement en taches. Les meules de blé sont de formes solides et, tandis que les maisons périphériques sont indéchiffrables, elles sont dégagées de loin.